Mindfunk

Viendo los antecedentes de los músicos que formaban la banda, la cosa no parecía pintar demasiado bien más los amantes del hard rock, con la mente abierta a los nuevos sonidos que en 1991 se estaban imponiendo. Analicemos uno por uno a los miembros del nuevo combo: el cantante Patrick Dunbar procedía de los muy hardcore, Uniform Choice. Reed St. Mark aún siendo estadounidense había sido el batería de los suizos Celtic Frost, otro de esos grupos que tenía bastantes fans y tus colegas te atormentaban en su casa con sus discos. Jason Coppola que me imagino no tiene nada que ver con el célebre director de cine había militado en los también hardcore, Chemical Waste. El bajista John Monte militó tanto en Chemical Waste como en los thrashers M.O.D dónde estaba el guitarra Louis J. Svitek que también recalaría en Mindfunk, estos últimos al menos eran graciosos en sus videos y lo mismo arrojaban a un falso Slash del escenario que tiraban al público a los presentadores.

 

Cinco músicos que en 1989 se juntaron y abrazaron lo que en aquel momento se llamaba metal alternativo donde se mezclaban distintos estilos en una paleta de sonidos multicolor: guitarrazos hard rockeros, bajos funky, delicados arreglos de guitarras acústicas. A pesar de fichar por Epic, y de la promoción el disco no vendió demasiado, comenzaron las deserciones y aunque nos dejaron dos discos más, el nivel no fue tan alto.

En cuanto al álbum diez canciones que no dan tregua desde la inicial “Sugar ain´t so sweet” con una banda que va a matar con un Pat Dunbar en estado de gracia, y  una intensidad total que se toma un respiro en ese interludio de tambores tribales y esos arreglos de guitarras que van entrando y la voz a ratos susurrante a ratos cruda de Dunbar. “Ride & drive” no baja el pistón con una batería que marca el inicio de la canción y el ritmo a la vez que las palabras parecen en ocasiones escupidas con rabia algo heredado de los pasados musicales del conjunto, me imagino. “Bring it on” es un tema con mucho Groove y un estribillo demoledor. Entre el resto de temas destacar la frenética “Big house burning” propulsada por el bajo de John Monte y con unos riffs de hard rock abrasadores. “Innocence” otro tema roquero que es un puzzle con cambios de ritmo variados  y un estribillo, con un aire a “Bang Tango”.  O la final “Touch you” otra estupenda mezcla de hard rock con unos toques funky, que  a mí me recuerda un tanto al “Dirty Frank” de Pearl Jam. El único momento de relax es la impagable balada “Sister blue” con una combinación acertada de guitarras eléctricas de blues y guitarra española, un tema que siempre me ha parecido espectacular, lo primero que escuche de la banda en la radio local de la ciudad y que me llevó de cabeza a comprar el vinilo.

McQueen Street (1991)

He aquí que navegando por la red días atrás acabé llegando hasta este libro que recoge a través de la critica de tres fans italianos los que para ellos son los 100 mejores discos editados entre 1984-1994 en el género del glam metal con la correspondiente reseña de cada uno de esos 100  álbumes. Desde la web de la editorial te puedes descargar el principio del libro:  y ahí están las 100 bandas con sus correspondientes 100 discos. La verdad es que como todas las listas no es perfecta, sinceramente los Black Crowes me encantan pero no sé si encajan muy bien, entre las otras bandas, luego están casi todos los que tienen que estar, pero algunas bandas me faltan Katmandu, Demolition 23, The Lost, Harlow o Dirty Blonde probablemente se merezcan aparecer en detrimento de bandas con mucha menos calidad caso de los infumables Tuff (que sé tienen sus fans). Por otro laso es cierto que a más de una banda le cambiaría un álbum por otro Jetboy, Faster Pussycat o Two Bit Thief son algunos ejemplos.
Pero como siempre lo más interesante es ver si aparece entre esas cien bandas, algún grupo que en su día se pasase por alto y la verdad es que hay varias no me sonaban de nada: Shabby Trick, Smack o Mcqueen Street y es esta última la que más me ha gustado.

Y es que la portada de por sí ya es llamativa, me imagino que un tributo a "La mujer de 50 pies" aunque a mi me trae a la mente un cruce entre la posterior "Whipped" de Faster Pussycat y el "Pump" de Aerosmith. Este cuarteto de Alabama, se hizo un nombre en su zona y fue el propio productor Tom Werman quien decidió producirlos y eso se nota para bien, también fue productor en el disco mi querido Steve Stevens, que además alguna guitarra metió por medio, pero ni con esas credenciales la banda vendió nada y desapareció hasta el 2003 cuando de nuevo resucitaron para un nuevo disco que habrá que buscar. El reproche que se les puede hacer es el de casi siempre no innovan, pero a mi mientras sean capaces de rockear duro, me da igual. Y aquí hay una buena dosis de hard rock, sleazy, blues y las consabidas baladas o power ballads de la época. La voz del cantante Derek Walsh se amolda además bastante bien a diversos registros y así el disco comienza con "When I´m in the mood" donde la voz suena áspera, en un tema cargado de guitarras monolíticas, que terminaran desembocando en un acertado riff y coros típicos de la época. "Woman in love" con esas voces femeninas iniciales y esa intro un tanto bonjoviana, sube enteros con unos coros muy trabajados que por que no decirlo me recuerdan en algún momento cierto tema de Steve Stevens y sus Atomic Playboys. Hay temas más cañeros en una línea más AC/DC caso de "Money" o "Stick it".

"My religion" fue otro tema que tuvo su correspondiente video clip, hard rock con estribillo fácil.

"Two words" es otro de los temas que más me gusta con esas lineas de bajo tan bien ensembladas y de nuevo me recuerda por la forma de cantar de Derek Walsh al mercenario Perry McCarthy que Steve Stevens contrato para su primer disco en solitario. "Going  back to Mexico" sorprende por esa larga introducción que por momentos incluso me trae a la mente será paranoia la sintonía de "Corrupción en Miami" un tema cantado en una onda muy sleazy, en el que se dejan caer incluso unas notas de funk y unas guitarras muy técnicas en algún pasaje. Y en el apartado de baladas tenemos dos que sin ser novedosas siguen las pautas de la época, introducciones con guitarras acústicas y progresivo endurecimiento o electrificación pasan con nota son "In Heaven" y "Only the wind". Un buen disco que puede hacer disfrutar a los amantes del género.

 

 

 

Asphalt Ballet: Asphalt Ballet (1991)

Recuerdo que la primera vez que escuche a esta banda fue en el Marquee de L´Hospitalet (que poco nos duró) y es que el video de "Soul Survive" era una buena presentación. Conseguí que me grabaran el disco en una cassette y quizás dos o tres años después, cuando unas cuantas tiendas de discos de Barcelona echaban la persiana o simplemente se deshacían de sus vinilos, en una de esas tardes en que los colegas nos dedicábamos a recorrer esas tiendas, había una pequeña entrando en el "carrer del Carme", cuyo no recuerdo, con dos pisos en el de arriba finiquitaban todos los discos a precios irrisorios, ese día no tuve suerte y un amigo se me adelantó llevándose el vinilo de Asphalt Ballet por el módico precio de 100 pesetas de la época, me alegre por el pero no pude dejar de sentir cochina envidia (que lo sepas si lees esto, por que se que de esporádicamente te pasas por el blog). Batallitas al margen, a día de hoy me sigue pareciendo un gran disco de Hard rock, con esos toques de blues y southern rock. La había se había formado en 1988 y tras tres años de conciertos y ensayos consiguieron editar este álbum el 17 de septiembre de 1991, justo una semana antes que el Nevermind de Nirvana lo que desde luego no ayudo en un tiempo de cambio de gustos musicales. Tampoco es que su casa de discos se volcase en promocionarlos, y la prensa de la época tampoco se estiró de hecho sólo les recuerdo una entrevista para RIP.

Que proporcionaba al menos algo de información de la banda, su nombre provenía de la descripción de un policía sobre un accidente de moto, algunos detalles de la vida de los músicos como que el cantante Gary Jeffrey tenía una granja en Louisiana, que en su set list solían tocar el L.A. Woman de The Doors o que ya tenían compuestos al menos media docena de temas que me imagino acabaron (remozados con un noto más grunge en Pigs).
No sé si como homenaje al origen del nombre de la banda o simplemente por que es un arranque fuerte el disco se iniciaba con el ruido del derrape de una moto y un grito a plena potencia de Gary Jeffrey, "Hell´s Kitchen" una pieza de hard rock musculoso que perfectamente podría haber sido single. Las revoluciones no bajan con "Soul Survive" otro tema hard rockero con buenos riffs y un coro eficaz, incluso se permiten hacer un pequeño puente más melódico y acústico en medio de la canción antes de volver a rematarla con plena energía, este tema si que fue lanzado como single con incluso un video clip, producido por Samuel Bayer el mismo que hizo "Smells Like  teen spirit", con pocos días de diferencia.

"Tuesday rain" es un bonito tema que en su primera parte suena muy contenido arropado por un ritmo suave y esos coros un tanto "celestiales", y que solo se desata en el solo de guitarra superado el ecuador de la canción. Este tema también tuvo su correspondiente video clip.

"Unlucky mister Lucky", el cuarto tema el sonido se endurece de nuevo, un tema que se inicia a golpe de bombo y armónica para pasar a la voz, un riff de guitarra  afilado y donde lo que más destacada es la voz de Gary Jeffrey. "End of my rope", otro tema hard rockero de calidad y clase con sección de vientos enriqueciendo el sonido. "Heaven winds blow" es el tema donde más les noto la influencia Lynyrd Skynyrd, preciosa canción con toda esa combinación de acústicas y electricidad, y un estribillo matador y ese aire a la América más profunda que recorre toda la canción. "Blood on the highway" de nuevo la banda vuelve a la vena más hard rockera con otro tema bien construido. "Godbye yesterday" canción construida en base a una gran melodía y su magnifico coro apoyado por una voz femenina en tono gospel. "Wasted time" ese bonito tema pausado, de nuevo con esos suaves coros gospel, co escrito por el guitarra de la banda Danny Clarke junto a su amigo el por entonces archiconocido Wes Arkeen (al que algunos llamaban el sexto gunner) y que para su siguiente álbum les cedería un tema llamado "Crash diet" compuesto a medias con el amigo Axl. Entramos en el tramo final del disco a faltas de cuatro temas, los tres siguientes "Taking a walk",  "Hangman swing" y "Blue movie" tienen una característica en común y es que en toda ellas la sección de vientos está presente, hasta suena en la última de estas una trompeta, de estos tres la mejor canción es "Hangman swing" con esa armónica que le da un feeling especial a la canción. Siendo además esta y "Blue movie" los dos temas donde la vena bluesera de la banda se hace más presente. Cerrando el disco el tema más corto del disco "Do it all over again" un tema 100% acústico en una vena quizás más Dog´s d´amour. Gran disco que mereció mejor suerte.

Tras el escaso éxito del disco la banda se vió presionada por Virgin para que diesen un giro hacía la música que triunfaba en esos días el grunge, como reconoce aún dolido Gary Jeffreys en una entrevista, la banda se plego a ello, pero el decidió abandonar el barco a partir de ese momento se involucraria en diversos proyectos y bandas en una onda mucho más Lynyrd Skynyrd siendo quizás la más destacada "Alligator Stew" en los últimos años ha creado la Gary Jeffreys band también en una onda muy sureña donde incluso recrea temas de Asphalt Ballet como "Blood on the highway" pero de forma algo más calmada, con una voz aún un pelín más aspera.

Shanghai´d Guts: Out of tune (1991)

Volvamos con otra de esas bandas perdidas en el tiempo y el espacio, de esas que desde luego no pierdas el tiempo buscándolas en el Spotify, hijos bastardos sobre todo de Quireboys y Dogs d´amour, con influencias de los Hanoi Rocks y los Rolling Stones, estos tipos no se comieron un rosco, puede que su música no fuera original, lo que no era en todo caso, es mala. Y aún a día de hoy es un disco que son sus limitaciones vocales es disfrutable, supongo que el hecho de que fuesen alemanes tampoco les ayudo en demasía de hecho su segundo y último disco "Life ain´t  nothing but a joke", tardo cuatro años en llegar y aún tuvo menor repercusión si esto es posible que el que nos ocupa hoy.
Por otro lado aunque tampoco hay demasiada información por la red, es fácil suponer que la banda se formó en las postrimerias de los años ochenta.

De hecho su primera huella sonora de hecho es un EP del año 1990 "With love from St Pauli" con un imagen típica de banda de aquellos años, aunque aquí en formato cuarteto y donde ya aparecían algunos de los temas que aparecerían en este "Out of tune" caso de "Little Suzie", "Last drink" o "Shanghai´d guts" aunque hay otras tres canciones que se quedaron fuera del disco del año siguiente "Wake up", "Long way home" y "Pay for another drink".
Y yendo ya al disco que nos ocupa, se abre con la canción que da título al grupo y ya dejan claras sus credenciales, un típico riff de rock & roll, cortesía del Axel Kraft el hermano del cantante de la banda Stefan Kraft, ese sonido alegre de piano y unos coros festivos que beben directamente de las bandas inglesas arriba mencionadas.


La segunda canción "Nights on the town" hace de nuevo una entrada a ritmo de guitarra y en esta ocasión un órgano Hammond omnipresente, el contrapunto a la vacilona forma de cantar de Stephan lo ponen en esta ocasión unos coros femeninos con un cierto aire eclesial  con chasqueo de dedos incluido con esa parte final donde predomina lo vocal sobre lo instrumental. El tercer tema es "Bang Boomerang" un medio tiempo con cierto aires funkies en la base rítmica, pero no en la guitarra, lo peor es que el tema acaba con un penoso "fade out". "Last drink" es la primera balada que suena y no me cuesta imaginarme al amigo Tyla cantando esta canción, bonito  trabajo con las melodias en la guitarras, suaves notas de Hammond.




Con "Little Suzie" volvemos a un rock más seco, sin olvidar los aires festivos y un estribillo sencillo, el típico rock & roll de toda la vida para mover los pies. "Hearts turned to stone" es la canción que más rompe los esquemas del álbum, riffs de guitarra pesados sobre una base rítmica suave y de aires orientales, que en ocasiones se rompen con la aparición de guitarras acústicas  y una forma de cantar muy contenida, probablemente el tema  más original que crearon estos chicos de Hamburgo. "Can´t light my fire" fue el primer y uno single que la banda editaría en su carrera otro tema de puro y simple rock & roll directo, sin embargo considero que le faltaba algo de chispa para ser un single. "How long will the good times roll" es otro medio tiempo bastante simplón con gotitas de glam y con buenos coros. "Fix the hole" continua la onda del medio tiempo y aunque la instrumentación es agradable con una menor duración no hubiera pasado nada. "I Really like girls" es el tema más acelerado del álbum de hecho está grabado en vivo en algún concierto en Berlín y lo calificaría como una especie de tributo al rock and roll años 50´s. "Saint Pauli girl" se impregna totalmente del espíritu de los Rolling Stones en el fondo y en las formas dejando claras algunas limitaciones de la banda y es que Mick Jagger sólo hay uno. "Memories" es la segunda balada del disco de nuevo en una onda muy Tyla, pero con una mayor crudeza e intensidad que la anterior con un solo de órgano Hammond que se ve cortado de manera abrupta por la voz y guitarras acústicas antesala de una parte final de la canción más guitarrera. Cerrando el disco está la canción que da título al disco "Out of tune" el tema más corto del en duración, un corte eminentmente de aire festivo que suena como una outtake de estudio con esas voces iniciales y finales, ese one, two, three con guitarras acústicas y alguna slide guitar, un cierre desenfadado para otra banda sin suerte.

Slippin´away

Viernes trece, buscando entre los discos se encuentra uno este viejo single de esa banda destinada a ser admirada por una minoría, aunque en su día tuvieron fans de renombre sin ir más lejos uno llegó a ellos a través de la camiseta que el lucía el "Dios del rock" Axl, lo que provocó que algunos nos interesásemos por esa banda fiándonos del criterio del loco del "pelo rojo", lo cierto es que por aquellos tiempos en que los ordenadores no dominaban la tierra, arriesgarse y gastarte la paga semanal en una banda desconocida era el único camino en ocasiones recompensado con un inusitado placer para nuestros oídos. Este el fue el caso, y su primer álbum cargado de quizás sus himnos mas reconocidos entraba en casa, como no disfrutar de "Blooze", "Simple man", "Hollywood" o "Hands off", un par de años después el quinteto volvía a la carga y ya lo esperabamos con los brazos abiertos, aquel primer single "All the time in the world" dejaba las cosas bastante claras la volvía a lo grande, cierto es que habían perdido algo de "fuerza" pero las canciones ganaban en elegancia y madurez y este primer adelanto era una clara muestra.

Por supuesto no faltaban los temas de rock, la inicial "Back on the streets" era un ejemplo de ello con un toque más rocanrolero y menos sucio que las canciones que componían su primera obra, pero bien construida como la fantástica "Give the devil his due". En cuanto al single que me ha llevado a escribir esta entrada es la primera de las baladas que hay en el álbum, un tema co escrito con el famoso "Steve Earle" es una canción basada en las guitarras acústicas y el órgano hammond enriquecidos estos elementos por coros femeninos, todo en una onda muy country rock quedándoles un tema realmente bonito. Con "Nowhere to go but town" vuelta al hard rock sin concesiones, con una base rítmica demolera, me encanta el gruñido final que se marca David Roach. El siguiente paso en el camino es "Misery loves company" una canción muy alegre  y vacilona que cuenta con una pianola lo que le da al tema cierto aura a canción de los "Quireboys" aunque la voz de David marca amplias diferencias en lo vocal con respecto a Spike. "Throw it all away" es quizás el tema que más se acerque al sonido que tenían en su primer disco, rápido y sin concesiones las guitarras crujen mientras la batería es aporreada con rabía. "Killing time" es una de las perlas del disco un blues rock lento y cadencioso que ira cogiendo cuerpo a medida que la canción avance. "Clean the dirt" es un medio tiempo donde la voz de David Roach luce, coronado el tema por un bonito solo. El disco se cierra con un tema donde de nuevo la banda se dedica a rockear duro y rápido "Lost in the city" si que les puede emparentar con ese espíritu sleazy de su primer álbum.

 

Por cierto el año pasado lanzaron una reedición con nada menos que ocho bonus tracks que debe caer:

11. Too Late To Save Me
12. This Trouble
13. Hallelujah I Love Her So
14. Back On The Streets (demo)
15. Give The Devil His Due (demo)
16. Misery Loves Company (demo)
17. Lost Angel (live)
18. Playin To Win (live)

 

Neverland

Esta semana uno está de vacaciones y una de las mejores formas de pasar estos días es rescatando viejos discos del fondo del armario, pero no de esos que se pueden escuchar en una radio fórmula, ni aunque sea de rock pongamos por caso en nuestro país Rock FM, está muy bien escuchar en la radio clásicos de los Ramones, Lynyrd Skynyrd, Iron Maiden, Inxs, U2 o cualquier otra banda de esas que ponen las 24 horas al día, hasta he redescubierto que me vuelven a gustar Dire Straits a los que condene al ostracismo por sobreexposición, pero sinceramente todo lo que suena es música muy "másticada". Hay demasiados discos, demasiadas bandas que nunca han sonado ni sonaran y es una pena. Porque parodiando una célebre frase de Mulder a Scully: "la buena música está ahí fuera".

En 1991  se publica el primer álbum de "Neverland" la verdad es que no se rompieron el coco y su debut lleva el mismo título, un cuarteto americano que practicaba un género que no está entre mis favoritos un rock melódico con leves pinceladas de hard y también de blues. Cuando se publicó el álbum cosechó un buen número de criticas positivas entre las revistas de la época y muy pocas ventas, llevando al desenlace habitual en estos casos: disolución de la banda y nuevas aventuras por parte de sus miembros. El cantante Dean Ortega se uniría a Roy Z y formaría parte del proyecto de rock mestizo "Tribe of the gypsies", mientras que otros dos miembros de la banda el guitarra Patrick Suggs y el batería Scott Garret se unirían al efímero proyecto de los Holy Barbarians de Ian Astbury (ofreciendo por cierto un disco bastante reivindicable ese "Cream" que en su día se llevó críticas bastante duras).

El disco ofrece once temas se abre con "Running on", un tema como todos los del disco muy melódico con una segunda parte del tema en que la voz aterciopelada de Dean Ortega se endurece un punto y el tema gana un montón de enteros cosa a la que también contribuyen las brillantes guitarras que Patrick Suggs mete.

"Cry all night" es posiblemente el tema más comercial del álbum tiene un estribillo pegadizo y adictivo, y unos arreglos de cuerda que le sientan de maravilla

"Take me higher" un temazo que arranca con un tono bluesy de guitarras acústicas y que con la aparición con fuerza de la guitarra eléctrica, que por cierto en ciertos pasajes termina sonando en algunas notas similar a INXS, el único pero en la canción son ciertos teclados prescindibles del todo.

"Drinking Again" el single que los debería haber lanzado a la fama pero que paso con más pena que gloria, la única canción con video clip y donde las guitarras y la batería en determinados momentos me suenan mucho a U2, de todas maneras una buena muestra de lo que ofrecía la banda temas con muchos coros, guitarras cristalinas.

El disco cuanto además con dos baladas, la primera "10.000 years" es mi tema preferido del disco una canción llena de sensibilidad, Dean Ortega no puede cantar mejor y Suggs se marca un solo cargado de "feeling" y existen una gran cantidad de arreglos orquestales de corte melódico que le confieren un toque único.

 

 

 

La otra balada "Mama said" juega con los mismos ingredientes abundante arreglos orquestrales, un estribillo vocalmente muy trabajado, pero con un toque pop mucho más marcado.

El resto del álbum contiene temas que siendo melódicos todos ellos pueden oscilar un poco más hacia el lado del hard como "Lean on me" o  sobre todo"For the love" con un desarrollo instrumental muy hard rock, a otros en los que se percibe una querencia más hacia el blues como "My opinion" con una introducción muy stoniana, "Time to let go" o la fantastica "Talking to you" con un cierto deje oscuro en la voz, guitarras crudas y mejorada con la presencia de una armónica de aires sureños.

Gracias a Youtube incluso podemos viajar en el tiempo al año 1991 y ver como la banda se defendía en directo, con una camára fija pero con buena calidad de sonido defendían su obra como teloneros de los Kix.

 

Misbehavin

Leo con sorpresa en el blog de ese viejo maestro del "Rock" que es Jesús Penon que acaban de reeditar ese pedazo de disco de 1988 que llevaba por título "Misbehavin" algo así como "portarse mal" en el argot americano. Con esa portada donde la pelirroja Joanna no sé porque me trae a la mente una versión femenina de Ted Nugent. Así pues no todo está perdido todavía hay sellos discográficos que se aventuran a sacar material añejo, que siendo sinceros interesará a pocos, pero no deja de ser una de esas noticias que pueden alegrarnos a algunos la mañana. Os remito a la entrada de 2122 estación de radio si alguien gusta podrá oir ese disco al completo. http://www.2112estacionderock.com/2013/11/joanna-dean-misbehavin-remasterizado.html
 Comenta además Jesús:
"Una gran cantante de la prácticamente ya casi nada se sabe de ella.Es como si se hubiera alejado del mundanal ruido o se la hubiera tragado la tierra." 
Que razón tienes es otra de esas figuras que graba, uno, dos o tres discos y simplemente desaparece de la faz de la tierra. Y es que Joanna grabo tres discos, el primero "British blues session" en 1984 nunca lo he escuchado ni he encontrado en parte alguna. El que nos ocupa, mi preferido nueve canciones, ocho originales más una versión enérgica del "Gimme Shelter" de sus satánicas majestades con su torrente de y unas guitarras muy metalizadas. Pero en este debut destaca el tema inicial "Ready For Saturday Night " un potente tema de Hard Rock que sigue sonando muy bien un cuarto de siglo después.

Tampoco esta nada mal ese segundo single de video clip ochentero hasta la médula que lleva por título "Kiss this".

De hecho solo falta escuchar temas como "Burnin´ruber" o "Dirty fingers" para darse cuenta del al portentosa voz de la que hacia gala esta señora acompañada por unas guitarras que en ningún momento bajan el listón, o si se bajan las revoluciones deleitarse con la típica power ballad ochentera "Once is enough" cantada con sentimiento y con unos bonitos arreglos de piano.

 

El resultado del álbum fue un fracaso de ventas, tras ello Joanna con los mismos músicos intento un último asalto al estrellato y dejando de lado su nombre, rebautizó a la banda como "Bad Romance" para lanzar un disco que seguía por caminos similares a la anterior aventura, potentes temas hard rockeros como "Eye of the storm"  construido entorno a una línea de bajo y con un potente estribillo,  "The house of my father" o la propia "Bad romance" aunque también es cierto que en determinados momentos se encuentra una pequeña desviación hacia la comercialidad y un tufillo AOR recorre algunas pistas como "Code of honor". La balada en esta ocasión es  "Whitest lies" sin piano pero con un tono épico. Pero este álbum tiene un plus añadido, en esta ocasión se lanza a versionar a Nazareth con su "Love hurts" y para ello recaba la ayuda de su amigo Tom Keifer, el resultado "grande".

 

Sin olvidar que otro miembro de Cinderella el bajista Eric Brittingham contribuyó con un par de temas al disco "Love is blind" es uno de ellos y suena cien por cien a hard rock. Esperemos que en unos meses alguien se decida a reeditar este disco y podamos disfrutar del mismo en formato físico.

 

 

Discos inéditos: Sir Mick Jagger & The Red Devils

El mundo del rock todavía sigue estando lleno de eso que llamamos discos inéditos, o que al menos nunca han sido publicados oficialmente, aquí seguimos esperando sin ir más lejos el segundo ábum de "Motherstation" o el de "Electric Angels" por poner un par de ejemplos. Sin embargo hoy nos toca rescatar un disco de ese caballero que hace unos días cumplió setenta años, aunque no lo parezca , un disco que fue grabado hace algo más de veinte años y del que solo circulan por el mundo algunas algune copias con un sonido acceptable pero claramente mejorable (bueno de hecho incluso en Youtube está el ábum al completo pero la ecualización y el sonido podían ser perfectos y no lo son, eso sí uno se puede hacer una idea de lo que bien pulido nos podria ofrecer ese disco). De hecho el único tema que oficialmente vió la luz fue "Checkin up on my baby" que aparició en el disco del Sir del año 2007 que llevaba el titulo de "The very best of Mick Jagger".

Pero hagamos un poco de breve historia The Red Devils eran una banda que comenzaron llamándose The Blasters, luego Blue Shadows  con su blues rock se hicieron un nombre en la zona de Los Angeles, entonces llegó Rick Rubin que decidió cambiarles el nombre y producir su álbum de debut que además sería grabado en directo en base a cuatro de las actuaciones que la banda ofrecía todos los lunes en el club "King King", corria el año 1991 y el contenido un buen puñado de versiones de clásicos del blues desde Little Walter, Sonny Boy Willianson, Howlin´ Wolf o Willie Dixon más algunos temas propios.
El interés de Mick Jagger por The Red Devils, llegó mientras Rick Rubin estaba produciendo su tercer disco en solitario "Wandering Spirit", el productor le hablo de la banda y en mayo de 1992 Mick Jagger se subió al escenario con la banda para tocar un par de clásicos del blues "Who Do you love" y "Blues with a feeling" precisamente está última palabra es lo que parece que se produjo entre la banda y Mick y esté los invitó a grabar unas cuantas versiones de viejos temas de blues de Chicago de los años cincuenta y sesenta  que presumiblemente aparecerían en su próximo disco en solitario.  Durante una sesión de grabación de trece horas en los estudios "Ocean way" de California donde Mick y The Red Devils desataron su pasión por los viejos bluesman llegando a grabar hasta trece temas en distintas tomas. Sin embargo la historia es que luego en su disco en solitario no aparició ni uno de estos temas. The Red Devils comenzaron su particular cuesta abajo, a pesar de grabar con Johnny Cash algunas canciones, el omnipresente mundo de las drogas hizo mella en la banda y ayudó en su disolución en 1994, la muerte de su líder Lester Butler en 1998 cerceno cualquier posibilidad de una futura reunión.

 

 

Electric Rattlebone

En los próximos días, supongo tendré la oportunidad de escuchar el nuevo álbum de Tom Keifer han pasado casi veinte años desde que este hombre publicó con su banda de toda la visa su ultima obra aquel olvidado "Still climbing", por más que haya tenido problemas de garganta, no dejó de pensar que son muchos años de "dilación" y mucho lo que nos hemos podido perder por ese largo y árido camino. Buen momento este para rescatar, no un disco de Cinderella que siempre es agradable, sino de una banda coetánea con algunos puntos en común con la propia "Cenicienta. Después de todo porque negarlo me gusta sacar del baúl de los recuerdos discos que subjetivamente uno piensa se merecían un mayor reconocimiento o éxito comercial como este "Electric Rattlebone" porque en ocasiones la vida no concede segundas oportunidades a bandas que no triunfan a la primera y nos quedamos especulando sobre lo que podría haber sido, como le sucedió a la banda de Dean Davidson que incluso tenía preparadas las demos de un segundo disco que se debía publicar a finales de 1992, pero la llegada del "grunge" cerceno esa posibilidad. Cierto es que por la red circulan copias de lo que debía ser ese segundo álbum "Just a taste" pero tampoco es menos cierto que se echa en falta esa labor de pulido que nos permitiría valorar en su justa medida ese segundo asalto.

Si Cinderella dieron un paso de gigante del "Night songs" a su siguiente obra dejando atrás influencias demasiado obvias y ganando personalidad con "Long cold Winter" y enriquecieron aún mucho más su sonido con su "Heartbreak station". La evolución de Dean Davidson podríamos decir que corrió en paralelo, estaba triunfando con Britny Fox (banda en la que por cierto llegaron a militar dos ex-Cinderella) es la época de máximo esplendor de las hair bands y sin muchas dificultades la banda glam con reminiscencias AC/DC, Kiss  consigue vender unos cientos de miles de copias de sus dos primeros álbumes, pero el cantante no se siente realizado y al menos en la versión oficial de la historia decide dejar el grupo, porque se siente atraído por un sonido más deudor del blues y su nuevo proyecto son "Blackeyed Susan" que podría definir como el producto de agitar en una coctelera a unos Aerosmith, unos Stones y porque no reconocerlo a los propios Cinderella, si a esto le sumamos una buena voz, es probable que no nos salga la banda más original del planeta pero si nos puede salir un disco más que correcto, como a la postre sucedió.

 

 



En cuanto al disco no se trata de analizar tema a tema, pero hay variedad de sonidos desde la breve introducción que comparte título homónimo con el álbum queda claro que los parámetros de Britny Fox quedan atrás y la influencia del hard y el blues serán señas de identidad. Temas rockeros como "Satisfaction", "Symphathy", "Old lady snow", que se enriquecen en ocasiones con instrumentos de viento, un piano jugueton y unos coros comerciales que pueden ser tanto de los propios miembros de la banda, como en ocasionales coros femeninos. El único video que he encontrado en la red corresponde a "None of it matters", con su peculiar introducción de sitar y un sonido rasgado de guitarra que me recuerda a unos Aerosmith en buena forma.

"How long" el tema más marcadamente blusero del álbum, con un ritmo y una letra serpenteante, piano, harmónica y coros femeninos le dan ese toque stoniano que cuando en cuando asoma por el álbum.  "Best of friend" es el tema dedicado al difunto batería de "Britny Fox" Tony "Styx" Destra y es un tema que suena 100% a los de Cinderella de "Heartbreak Station", esos arpegios, esas guitarras acústicas, los coros góspel no pueden sino rememorarnos el disco de los chicos de Tom Keifer. Quizás lo único que sobra en el disco es la instrumental "Indica" son casi dos minutos de sitar que no vienen muy a cuento. Pero esto queda compensado por otras joyas como la mejor balada del álbum " Ride with me" una "power ballad" sin estridencias, pero perfectamente construida. La vacilona "She´s so fine" o ese poderoso cierre final con Heart of the city" un tributo a sus Philadelphia natal, que roba con gracia parte de los coros  a sus satánicas majestades. Más de veinte años después me sigue pareciendo un LP notable que paso desapercibido pero que goza de cierto prestigio entre los fans y que conviene rescatar de ese baúl de tanto en tanto.

Sobre los últimos veinte años de carrera del artífice principal  míster Dave Davidson, pues decir que no se ha prodigado en exceso, algún concierto esporádico. Un disco ya bajo su nombre en el año 2007 "Drive my karma" mucho más relajado que lo que solía ofrecer en su juventud.

Eso que se llama un disco de autor, un intento en el año 2010 por parte del cantante de reagrupar a los Britny Fox originales, que fracaso por la negativa de la otra parte y ya para este 2013 prevé lanzar un nuevo disco que seguirá estando alejado de aquello que ofreció antaño.